華晨宇《煙火裏的塵埃》：超越難度，盛放孤獨

《煙火裏的塵埃》是華晨宇新專輯中的點睛之作，也是一首多方構架出來的難度之作。顯而易見，在《煙火裏的塵埃》中，華晨宇的表現足以為林夕以及自己贏得良好的口碑。這同樣也是華晨宇的“宣言”，從初登台的《無字歌》開始，華晨宇在孤獨中盛放的強大內生動力就顯現出來。

《煙火裏的塵埃》是華晨宇新專輯中的點睛之作，也是一首多方構架出來的難度之作。

不是每一個初出茅廬的新人，都有機會唱到林夕的詞，更不用説還幸運到讓林夕量體裁衣。這種高規格的作品配置是成功率的保證，也是難度的象徵，給歌手帶來“有名”的壓力。因為無論詞人多負盛名，歌手始終是將作品完整呈現的最終一環，也是最關鍵的一環。把握好了，多方獲益，而拿捏不好，歌手則容易陷入“毀歌不倦”的輿論怪圈。

顯而易見，在《煙火裏的塵埃》中，華晨宇的表現足以為林夕以及自己贏得良好的口碑。但我們卻聽不到“把握”與“拿捏”的影子，這顯示出華晨宇的演繹功力，以及詞作與華晨宇成長經歷的貼合。

歌詞從“飛舞的塵埃”寫起：煙火縱然絢爛至極，卻難逃燒成塵埃的宿命。面對從高空掉落的塵埃，林夕敏鋭地切入到了“沒人發現它存在，多自由自在”的視角——哀而不傷、兀自華麗。如果煙火也有情緒，那這無疑是它最好的宣言。

這同樣也是華晨宇的“宣言”，從初登台的《無字歌》開始，華晨宇在孤獨中盛放的強大內生動力就顯現出來。外界對他的不傷與華麗有着許多解讀，但都歸結到了他與孤獨的抗爭到和平共處，他與音樂的慰藉到融為一體，以及對自己懷疑到和平共處的過程。

這個過程很執拗，林夕用簡短的幾句，模擬了其中的幾個瞬間——“只有我守着安靜的沙漠，等待着花開；只有我看着別人的快樂，竟然會感慨；就讓我聽着天大的道理，不願意明白。”

這個過程很獨特，林夕也為這個過程的結果下了華晨宇式的定義——“我的心裏住着一個蒼老的小孩。”

有時候詞人的厲害之處在於，他甚至能比歌手本身更能瞭解自己，已致可以將這種瞭解抽象成寥寥幾句，卻能畫龍點睛。林夕無疑就屬於這一種。而華晨宇的厲害在於，他唱着自己卻不矯情，説着自己卻不濫情。

整首歌的前2/3，華晨宇帶着一種疏離感，即便歌詞處處都是“我”，但他似乎唱得是別人的故事：唱腔平實剋制，並不讓人覺得有一絲不悦；感情卻飽滿有力，帶入感極強，聽眾不知不覺便走進了他成長的過程中，完成與他同步的自我認知。

而在歌曲的後1/3，隱忍的力量終於爆發，每一句都充滿力道：“笑得開懷，哭得坦率，我就是我，我只是我”中的真假音不斷轉換，華晨宇絲毫不介意開始“炫技”。直到最後“只是一場煙火散落的塵埃”高音飈上又假音持續，達到與編曲電吉他的“共舞”。這樣的配置很絕妙，華晨宇與吉他二者音高相仿、音色相似，酣暢淋漓間，將這首歌的難度提升到普通華語歌曲所達不到的境界，也打上了“華晨宇”的鮮明標籤。

如此難度的營造，當然也離不開編曲與作曲人的巧手。西樓的曲本身就充滿情緒起伏的張力，與鄭楠一同的編曲將鋼琴與電吉他混搭，一方安靜隱忍一方熱情嘶鳴，節奏由緩至疾間，情緒也由層層遞進，構築出華晨宇面對孤獨時的兩種不同狀態，用林夕的詞來説正是“哭的坦率，笑得痛快”。

《煙火裏的塵埃》到曲末，作詞、作曲、編曲與歌者統一躍上了“不瘋魔不成活”的自我境界：孤獨嗎？的確；快活嗎？當然！華晨宇藉由樂壇詞曲的“高配”，完成了解析自我孤獨的驚豔之作，而詞曲人也藉由華晨宇的演繹獲得釋放。多方最終打造出這一首超越難度、盛放孤獨的《煙火裏的塵埃》，十分難得，卻也理所應得。 文/樑曉輝